Julia Ostertag

Deine bisherigen Kurz- und Spielfilme erinnern an Performance-Kunstfilme im Arthouse-Stil, die Dokus sind größtenteils in der Subkultur verortet. Was findest du an den progressiven subkulturellen Szenen reizvoll?
    Subkultur ist für mich die Keimzelle von Kreativität und individiduellem Ausdruck, weil Selbstausdruck dort spontan und losgelöst von kommerzieller Vermarktbarkeit stattfindet.
Das kann man ja gerade in einer Stadt wie Berlin immer wieder beobachten.
Ich fühle mich in der Subkultur seit meiner Pubertät zuhause, ich liebe das rauhe, unfertige, improvisierte und provokante daran. Diese „Fuck you! Wir machen unser eigenes Ding!“ - Attitüde. Auch wenn sich Szenen als unpolitisch begreifen, liegt darin für mich eine Form von Anarchie. Der Realität zu entfliehen, ein Paralleluniversum zu gründen, das war schon immer die Funktion von Subkultur. Und die Subkultur hatte ja gerade in Zeiten vor dem Internet noch viel mehr die Natur einer Art geheimen Gesellschaft, wie eine Parallelwelt, zu der man die Eingänge, den Code oder Menschen kennen musste, um überhaupt Zutritt zu finden.
Darauf spiele ich übrigens auch in der Geschichte meines neuesten sich derzeit im Schnitt befindlichen Spielfilm DARK CIRCUS an.

In den 1980ern waren die Filme, die mich geprägt haben, z.B. das Cinema of Transgression des New Yorker Punk / Kunst Kollektivs, „Die grausame Frau“ von Monika Treut, „Last of England“ von Derek Jarman und „Dandy“ von Peter Sempel auch von Performance-Kunst geprägt, oder die Auftritte der Einstürzenden Neubauten – auch sie benutzten den Körper als Experimentierfeld.
Performance fand ich schon immer spannend, denn über deinen eigenen Körper kannst du ja wirklich selbst bestimmen. Aber wenn du daran sichtbar die Grenzen austestest, empfinden die Zusehenden das provokant und es geht ihnen nahe, obwohl es dein Körper ist.
Während ich Film studierte, war an unserer Filmhochschule auch die Performance-Künstlerin Marina Abramovich tätig und die stattfindenden Aktionen - manchmal am Rande des Wahnsinns - ein großer Einfluss.

Julia, woher stammt dein Interesse fürs Filmen? Gab es hierfür ein spezielles Erlebnis?
    Ich finde schon, dass Film das interessanteste visuelle Medium mit der größten Magie ist, weil es am stärksten dazu in der Lage ist den Rezipienten emotional mitzunehmen, und es die Ebenen Bild, Sprache und Musik miteinander verbindet. Da mir Musik auch immer sehr wichtig war, war es für mich die perfekte Kombination.
Es gibt kein einzelnes Erlebnis, es waren einfach Filme jenseits des Mainstreams und natürlich eher Low Budget produzierte Underground-Filme, die mich inspiriert haben, mir selbst zunächst mal eine Super-8-Kamera zu kaufen und mit meinen Freunden zu drehen: am meisten das Cinema of Transgression aus New York um Lydia Lunch, Nick Zedd und Richard Kern.

«Chaos und Struktur in Kombination ist eigentlich genau das, was es braucht, um mit anderen Menschen die unglaublichsten Dinge und interessante Projekte auf die Beine zu stellen.»

In einem Interview(1) hast du gesagt, du seist von der Punkbewegung infiziert und von der DIY-Ethik inspiriert. Hast du diese Erkenntnisse erst während der Arbeit und Recherche zu NOISE&RESISTANCE  gewonnen?
    Nein, mein Interesse an Punk stammt aus den 80er Jahren und ich konnte den Film auch nur drehen, weil ich selbst Teil dieser Szene bin und weiß, wie sie funktioniert. Andere Leute bekommen dort auch keine Drehgenehmigung und auch für uns war es nicht immer einfach.
Aber das ist ja das gute daran – es bleibt etwas Besonderes.

In dieser Doku über die europäische, politische Punk-, HC-, HausbesetzerInnen und Wagenplatzszene haben du und Francesca Araiza den politischen Widerstand und den Ausdruck eines Lebensgefühls eingefangen. Was hat dich während des Drehs und des Eintauchens in die „Underground-Szene“ besonders beeindruckt?
    Für mich waren die Szenen in Barcelona das Highlight und generell ist es erstaunlich, dass Chaos und Struktur eigentlich keine Gegensätze sind (so wie das in der deutschen bzw. mitteleuropäischen Mentalität gerne wahrgenommen wird), sondern wunderbar zusammengehen. Chaos und Struktur in Kombination ist eigentlich genau das, was es braucht, um mit anderen Menschen die unglaublichsten Dinge und interessante Projekte auf die Beine zu stellen.
Außerdem war es beeindruckend, die Leute von CRASS zu treffen, besonders Gee Vaucher.
Sie ist ja ungefähr eine Generation älter als ich und verkörperte für mich eine politische und persönliche Integrität und auch eine Lebensweise, zu der Zeit alleine im Dial House westlich von London, die mich sehr beeindruckt hat.

Nach welchen Kriterien habt ihr die Auswahl an Orte und Personen festgelegt?
    Wir hatten jede eine persönliche Liste mit Favoriten (dazu gehörten auch die Leute von Crass) und dann sind wir eher so vorgegangen, dass wir eine Bandbreite von Ländern und Positionen repräsentiert haben wollten. Und jede hatte zusätzlich ihre Schwerpunkt-Themen. Mir war es sehr wichtig, das queere und auch viele Frauen mit drin zu haben, weil das mein großer Kritikpunkt an der Punk-Kultur und besonders -Bands ist, dass es – außer in Schweden - immer noch so viel mehr Typen als Frauen auf Bühne und anderswo gibt. Und dass Queerness auch eher am Rand stattfindet.

Bei all deinen Arbeiten entdecke ich im Kern eine kreative Radikalität. Was bedeutet für dich radikales Denken?
Erstmal vielen Dank – ich fasse das als großes Kompliment auf, weil radikales Denken es einem/r ja nicht gerade leichter macht. Aber ich kann einfach nicht anders. Ich empfinde mein Denken nicht als radikal, ich versuche nur relativ bedingungslos umzusetzen, was ich an Ideen und Visionen in mir vorfinde. Und das ist ein ständiger Prozess.
Ich würde sagen, es ist nicht nur radikales Denken, sondern auch radikales Fühlen, als Basis für kreative Existenz. Ich kann dazu nicht mehr sagen, weil ich einfach so bin.

Des Weiteren hältst du vor Augen, was ansonsten in der Öffentlichkeit vorenthalten, tabuisiert bleibt. Befürchtest du, mit deinen Filmen die Originalität des Alltäglichen gewöhnlich zu machen?
    Warum sollten meine Filme etwas gewöhnlich machen, wenn mich in meinen Arbeiten weder der Alltag noch das Gewöhnliche als solches interessiert und die Filme darüberhinaus wohl leider oder zum Glück sowieso niemals die große Masse erreichen?

Du schneidest zur Zeit deinen zweiten Spielfilm „Dark Circus“, der in Kürze – eher als geplant – Premiere feiert.
Was sind Gemeinsamkeiten, in Machart und Inhalt zu deinem ersten Spielfilm SAILA – Punk Dystopia (2008), wo siehst du Unterschiede oder „Weiterentwicklung“?
    Inhaltlich gibt es die Gemeinsamkeiten, dass es wieder eine düstere Atmosphäre und starke Frauenfiguren gibt, die sich in Außenseiterpositionen befinden und sich dabei spiegeln bzw ergänzen. Es gibt düstere, nicht explizite Erotik Szenen und einen sehr guten Soundtrack.
In der Machart ist die Gemeinsamkeit, dass es mal wieder keine Filmförderung gab, da das Thema nicht fernsehtauglich ist, und wir im stetig wachsenden Kollektiv innerhalb eines Jahres dennoch den Film gedreht haben. Ohne dass irgendwer dafür bezahlt wurde.
Die Unterschiede und Weiterentwicklung: Es gab ein Drehbuch. Der Film hat mehr Dialoge und eine Storyline.  Es gab eine Film-Crew, incl. Kamera- und Tonmann und einen Setfotografen. Ich habe selbst nur die zusätzliche, aber nicht die Haupt-Kamera gemacht. Es gab 10 verschiedene Drehorte (mit Genehmigung). Ich habe mit SchauspielerInnen gearbeitet. Wir haben in Kinoqualität gedreht und insgesamt waren an die 100 Leute an dem Projekt beteiligt. Also größer als alle meine Filme vorher.

Was hat dich am Thema Okkultismus gereizt? Geht es auch um den Blick in die eigene Zukunft?
    Beim Okkultismus interessiert mich die Bilderwelt, das Symbolische und die Mystik, womit ich mich schon seit vielen Jahren beschäftigt habe, z.B. indem ich Tarotkarten lege.
Beim Thema Okkultismus denkt aber auch jeder an etwas anderes. Das Wort löst bei manchen Menschen seltsame Assoziationen aus. Auf keinen Fall hat es für mich etwas mit (neo)faschistischem Gedankengut zu tun.
Für mich ist es eine Parallelwelt, ich finde das Rituelle daran interessant, weil es in der filmischen Umsetzung Raum für Performances und kollektive Grenzüberschreitung bietet.
Die Bilderwelt von Dark Circus ist dabei stark von Fetish und BDSM-Ästhetik beeinflusst.
Meine Inspiration kommt einerseits aus der Musik, Doom und Black Metal, von Bands wie Electric Wizard aber auch von Okkult-Filmen aus den 70er Jahren, sowie der Recherche über reale mystische oder okkulte Gemeinschaften wie z.B.TOPY (Temple of Psychick Youth). Und daraus habe ich dann den fiktiven matriarchalen Kult im Film geschaffen.Bei beiden Filmen arbeitest du vor der Kamera mit Performance und spontaner Improvisation.

Wie erreichst du einen Zugang zu den Charakteren? Lässt du dich auf eine Eigendynamik der Charaktere ein, forderst diese sogar?
    Für den Film Dark Circus habe ich über ein Jahr an dem Script gearbeitet. Die Figuren sind zu einem Teil von mir geworden, besonders die beiden Hauptfiguren tragen vermutlich Charakterzüge von mir selbst.
Es war nicht einfach, die DarstellerInnen hierfür zu finden, weil ich eine sehr genaue Vorstellung hatte. So habe ich sehr viele Gespräche geführt, es gab Try and Error, eine Schauspielerin ist abgesprungen, weil wir in der Suspension-Szene mit echtem Blut arbeiten (das hatte ich ihr aber vorher gesagt)…ein langer Prozess, der tatsächlich viel Eigendynamik beinhaltet. Letztendlich wurde die Hauptrolle der Herrin mit einer Performance-Künstlerin besetzt. Sie passte perfekt auf die Rolle und hatte einen sehr intuitiven Zugang zur Figur. Weil sie z.B. mit dem Charakter einer Domina vertraut ist und der Figur so ihre eigene Note geben und das Script mit eigenen Ideen bereichern konnte. Das war kreativ hat mir sehr viel Erklärungsarbeit abgenommen.
Die Rolle des jungen Mädchens Johanna ist sehr gegensätzlich und ich habe sie mit Angela Romacker  gemeinsam erarbeitet. Ihrer Offenheit ist es zu verdanken, dass die innere und äußere Verwandlung der Figur innerhalb der Geschichte des Films hervorragend funktioniert. Sie kommt von der Schauspielschule, ist 26, kann aber auch wie 17 aussehen und hat für Dark Circus Sachen ausprobiert, die ihr vorher noch nie so begegnet sind. Das war beeindruckend.

Das von dir geschriebene Script für Saila bekamen die LaiendarstellerInnen oft nur wenige Tag vorm Dreh. Bedeutet Improvisation und Authentizität nicht auch mehr Stress am Drehtag?
    Es ist eine durchaus gängige Vorgehensweise im Film, dass nicht jeder Darsteller das ganze Script bekommt. Bei einem Projekt wie diesem kommt dazu: es wird nicht in einem Stück gedreht, sondern wir treffen uns über ein halbes Jahr verteilt immer wieder für 1-2 Tage, und dann bekommen die Mitwirkenden immer die Szenen, die dann gedreht werden.
Die Komparsen findet man oft erst Tage vorher, und um an einer Szene teilzunehmen, müssen sie ja nicht das ganze Script lesen.
Nur die HauptdarstellerInnen, die mehrere Szenen haben, kennen das komplette Script.
Bei dem Film SAILA -Punk Dystopia wiederum hatten wir überhaupt kein Budget, und um das Original-Script zu verfilmen, hätten wir eine größere Förderung gebraucht.
Also habe ich das Script auf No-Budget umgeschrieben und es wurde mit Improvisation und im Punk Style mit dem vorhandenen gearbeitet: Das hieß, Guerilla-Stil, also ohne Drehgenehmigung zu arbeiten, was sich nicht bis ins Letzte planen lässt. Und erst wenn ich wusste wie der Ort aussieht, konnte ich den Ablauf der Szene festlegen und ein provisorisches Script dafür schreiben – was dann eben erst kurz vorher fertig war.
Dann gingen wir mit einer Gruppe an den Ort, kletterten über den Zaun, entwickelten die Szene an den Gegebenheiten und drehten dann so viel wie möglich.
Außerdem war es mir bei SAILA in erster Linie wichtig,  eine Stimmung – diese Endzeit-Punk-Atmosphäre zu erzeugen, und ich wollte, dass die Leute nicht ständig darüber nachdenken, wie sie sein sollen, sondern einfach in diese Welt eintauchen und dabei den Charakter aus sich heraus entwickeln.

Wenn ich davon ausgehe, dass du bei einem Spielfilm zu deinen Figuren genaue Vorstellungen hast, wie sie sich verhalten/aussehen sollen...wie konsequent setzt du das dann um und wie schwierig ist es, diese Vorstellung auf eine*n LaiendarstellerIn umzusetzen?
Ich setze das so konsequent um, wie es sich für mich richtig anfühlt.
Wie oben angedeutet, will ich gar nicht, dass die Darsteller nur meiner Vorstellung entsprechend agieren, abgesehen davon, dass sie ihren Text beherrschen sollten. Ich möchte im Grunde, dass auch sie von sich aus der Figur eine spezielle Note geben, denn deswegen wähle ich sie für die Rolle aus. Also ich erwarte auch eine gewisse Kreativität von den DarstellerInnen.
Und ich mag den Begriff Laiendarsteller überhaupt nicht. Es sind einfach alles Darsteller, und es gibt viele Wege, gut darin zu sein, vor der Kamera zu stehen und einen Charakter zu verkörpern.
Für DARK CIRCUS haben übrigens alle DarstellerInnen das komplette Drehbuch bekommen, vor den jeweiligen Drehs noch einmal die Szenen im Detail, und ein paar Tage vor dem Dreh haben wir uns sogar wenn möglich zur Probe getroffen. Also relativ klassisch und strukturiert diesmal.

Was passiert, wenn du die Kontrolle für eine Szene verlierst?
    Das kenne ich nicht. Es gibt ja beim Film immer die Möglichkeit „Cut“ zu rufen und von vorne anzufangen, außer der Zeitplan lässt es nicht zu.
Bis zu einem gewissen Ausmaß provoziere ich im Sinne eines Cinema of Transgression bei Massenszenen eine Form von Eigendynamik – die von außen gesehen an  „Kontrollverlust“ heranreicht. Das passt nun mal zu Ritualszenen.
An sich ist anscheinender Kontrollverlust sogar ein probates Mittel, um gewisse Stimmungen zu erreichen und mit der Kamera einzufangen, denn ich will ja, dass die Teilnehmer sich zu einem gewissen Grad in der Szene verlieren. Die Leute sind am besten, wenn sie nicht mehr darüber nachdenken, was sie tun.
„Pure kaos against total kontrol“ war das Motto der größten  Performance und Ritual-Szene von Dark Circus mit dem Suspension-Künstler Louis Fleischauer/ Aesthetic Meat Front. Und wie der Titel schon sagt, ist Evozierung von Kontrollverlust im Sinne ursprünglicher archaischer Energie Teil des Konzepts.
In der Szene wird also eine Frau an Haken langsam hochgezogen, während mehrere andere maskierte und mit Körper-Makeup verfremdete Menschen durch Haken in ihrer Haut mit grossen Drahtspiralen verbunden werden. Auf diesen Metallsträngen erzeugt Louis dann Sounds, die vermischt mit anderen Instrumenten und Sprachelementen auf PA übertragen zu einer Art Industrial-Symphonie werden, zu der sich alle Anwesenden bewegen und untereinander agieren...

www.julia-ostertag.de